"Некрасиві" це ще м'яко сказано. Немовлята на середньовічних полотнах схожі на кошмарних крихітних мужиків із високим рівнем холестерину.

Такі ось діти 1350:

Моторошне немовля 1350 року в композиції «Мадонна з Вевержі» майстра Вишебродського вівтаря. Фото: .

Або ось ще один 1333:

Написана в Італії "Мадонна з Немовлям", Паоло Венеціано, 1333 рік. Фото: Mondadori Portfolio/.

Дивлячись на цих страшненьких чоловічків, ми замислюємося про те, як вдалося перейти від потворних середньовічних образів дітей до ангелоподібних немовлят епохи Відродження та сучасності. Нижче два зображення, які дозволяють переконатися, наскільки змінилися уявлення про дитяче обличчя.

Фото: .

Фото: Filippino Lippi/.

Чому ж у картинах було так багато потворних немовлят? Щоб розібратися в причинах, потрібно звернутися до історії мистецтва, середньовічної культури та навіть до наших сучасних уявлень про дітей.

Може середньовічні художники просто погано малювали?

Ця картина 15-го століття пензля венеціанського художника Якопо Белліні, але дитина зображена в середньовічному стилі. Фото: .

Дітей зображували некрасивими навмисне. Кордон між Середньовіччям та Ренесансом зручно використовувати при розгляді переходу від «потворних» дітей до значно милим. Порівняння різних епох, як правило, виявляє різницю у цінностях.

« Коли ми думаємо про дітей у принципово іншому світлі, це відбивається у картинах, –каже Аверетт. – Таким був вибір стилю. Ми могли б подивитися на середньовічне мистецтво та сказати, що ці люди виглядають неправильно. Але якщо завдання в тому, щоб картина виглядала як у Пікассо, а ви створюєте реалістичне зображення, то вам сказали б, що ви зробили неправильно. Хоча з Ренесансом і настали мистецькі інновації, але не в них причина того, що немовлята стали гарнішими.».

Примітка: Прийнято вважати, що Ренесанс зародився у 14 столітті у Флоренції, а звідти поширився Європою. Однак, як і будь-який інтелектуальний рух, він характеризується одночасно і занадто широко, і занадто вузько: занадто широко у тому плані, що складається враження, ніби ренесансні цінності виникли миттєво та повсюдно, а занадто вузько у тому, що обмежує масовий рух однією зоною інновацій . В епосі Відродження були прогалини - легко можна було побачити зображення некрасивої дитини в 1521 році, якщо художник був прихильним до цього стилю.

Ми можемо відстежити дві причини, через які в Середні віки немовлята в картинах виглядали мужиковато:

• Більшість середньовічних немовлят були зображеннями Ісуса. Ідея гомункулярного Ісуса (що Він народився подібно до дорослої людини, а не дитини) вплинула на те, як зображували всіх дітей.

Середньовічні портрети дітей, як правило, створювалися на замовлення церкви. А це означає, що зображували або Ісуса, або ще кількох біблійних немовлят. У Середні віки уявлення про Ісуса сформувалися під сильним впливом гомункула, що буквально означає чоловічок. « Згідно з цією ідеєю, Ісус з'явився таким, що повністю сформувався і не змінювався.каже Аверетт. – А якщо зіставити це із візантійським живописом, отримуємо стандартне зображення Ісуса. У деяких картинах, схоже, у нього ознаки облисіння за чоловічим типом».

Картина Барнаба да Модена (працював із 1361 по 1383 роки). Фото: DeAgostini/.

Гомункулярний (дорослий) Ісус став основою для малювання всіх дітей. Згодом люди просто почали думати, що саме так мають зображати немовлят.

• Середньовічних художників менше цікавив реалізм

Таке нереалістичне зображення Ісуса відображає ширший підхід до середньовічного мистецтва: художники в Середньовіччі були менш зацікавлені у реалізмі чи ідеалізованих формах, ніж їхні колеги в епоху Відродження.

« Дивність, яку ми бачимо в середньовічному мистецтві, походить від відсутності інтересу до натуралізму і більшої схильності до експресіоністських традицій», - Каже Аверетт.

У свою чергу це призвело до того, що більшість людей у ​​Середньовіччі зображали схожими. « Ідея художньої свободи у малюванні людей так, як вам хочеться, була б новою. У мистецтві дотримувалися умовності».

Через прихильність до цього стилю живопису немовлята виглядали як тата, що втратили форму, принаймні, до епохи Відродження.

Як у епоху Відродження діти знову стали гарними

Мила дитина у картині Рафаеля, 1506 рік. Фото: Fine Art Images/Heritage Images/ .

Що ж змінилося та призвело до того, що діти знову стали гарними?

• Нерелігійне мистецтво процвітало, і люди не хотіли, щоб їхні діти виглядали як моторошні чоловічки

« У Середні віки ми бачимо менше зображень середнього класу та простих людей», – каже Аверетт.

З Відродженням це почало змінюватись, оскільки середній клас у Флоренції процвітав, люди могли дозволити собі портрети своїх дітей. Популярність портретного живопису зростала, і замовники хотіли, щоб їхні діти виглядали як симпатичні малюки, а не потворні гомункули. Так багато в чому змінилися стандарти мистецтво, а в результаті і в малюванні портретів Ісуса.

• Ренесансний ідеалізм змінив мистецтво

« В епоху Відродження, –каже Аверетт, – спалахнув новий інтерес до спостереження за природою та зображення речей такими, якими їх бачили насправді». А не в усталених раніше експресіоністських традиціях. Це відобразилося і в більш реалістичних портретах немовлят, і в прекрасних херувимах, які увібрали найкращі риси від реальних людей.

• Дітей визнали безневинними створіннями

Аверетт застерігає від надмірного розмежування щодо ролі дітей в епоху Відродження – батьки в Середні віки любили своїх дітей не інакше, ніж в епоху Ренесансу. Але трансформувалося саме уявлення про дітей та їхнє сприйняття: від крихітних дорослих до безневинних створінь.

Зорове сприйняття навколишнього світу є, безперечно, найголовнішим у житті людини, адже понад вісімдесят відсотків інформації людина сприймає завдяки зоровим рецепторам.

Люди пізнають світ через зображення і меншою мірою завдяки звукам, дотику, нюху та смаку.

З давніх-давен люди намагалися відобразити навколишній світ, а найчастіше повторюваний і найцікавіший предмет зображення - це людське тіло.

Дивно, наскільки привабливим воно є, і яка безліч найнезвичайніших зображень зустрічається в історії мистецтва від первісних часів і до нашого часу.

Без сумніву, це невичерпне джерело натхнення та постійний об'єкт інтересу у живописі, скульптурі, фотографії та телебаченні.

Хоча саме людське тіло залишалося практично незмінним протягом багатьох століть, зображення часто не є точною копією людини.

Уявлення про красу та ідеал постійно трансформувалися і в кожній епосі люди сприймають себе по-різному. Найчастіше це лише образ, що нагадує людину – своєрідне уявне уявлення про людське тіло.

І це не дивно, тому що наш світ – лише світ ілюзій, що зводяться творчою особистістю в реальність. Але в час і в кожній епосі є особливий ключ до розуміння, чому люди так себе уявляють.

Розглядаючи стародавні жіночі статуетки первісного мистецтва, мимоволі звертаєш увагу, деякі деталі тіла або навмисно відсутні, або істотно применшені, інші деталі гротескно перебільшені.

Мимоволі це наштовхує на думку, що саме цінувалося у первісному суспільстві. Суворі умови життя та необхідність виживання виду підштовхували до асоціювання об'ємного жіночого тіла ідеалом достатку та краси, що дасть змогу продовжити свій рід.

Єгипетська держава — одне з найдавніших, і ця цивілізація залишила по собі самобутнє і строго канонічне мистецтво.

Виникнувши понад сім тисяч років тому, воно проіснувало у незмінній формі майже п'ять тисячоліть. У строгій геометричності фігур, які завжди були однакового зростання і типу статури, ховається головна загадка – чому всі зображення такі однакові?

Переходячи на інший етап розвитку суспільства, людство втратило цінність пухкого тіла та великих жирових запасів. У давньоєгипетському суспільстві панувала сувора ієрархія, люди поклонялися богам, вірили у потойбіччя і вважали фараона втіленням бога Ра землі.

Фараон мав бути подібним до богів і будь-які невідповідності з цим чином ретельно ховалися. Виглядам правителів надавали однакові риси як на зображеннях, а й у житті.

Суспільство не хотіло змінюватися і прагнуло залишатися таким самим, тому в чіткій геометрічній вивіреності фігур цього формалізованого мистецтва ховається перебільшення прагнень суспільства – залишатися таким, яке воно є на даний момент і не змінюватись, тим самим створюючи вічність на землі.

Виникла трохи пізніше культура Стародавньої Греції багато перейняла у єгиптян і багато скульптур спочатку схожі чимось на єгипетські.

Але прагнення найбільш реалістично зобразити людське тіло підштовхувало скульпторів до пошуку нових технологій. У цій цивілізації панував культ тіла, що зводить в абсолют як зовнішню, і внутрішню красу людини. Фізична краса передбачала і красу душі.

Греки були впевнені, що Олімпійські боги, спускаючись на землю, набувають вигляду гарного чоловіка, жінки чи тварини, і чим красивіше було тіло – тим ближче почувалася людина до Бога.

Експериментуючи із зображеннями, давні греки досягли небувалих успіхів та досягли максимальної реалістичності у скульптурі.

Таким чином у скульптурі хлопчика Критія всі частини тіла – голова, очі, ніс, вуха, рот, торс, ноги та руки – були схожі на живі. Здається, що це не холодний мармур, а жива шкіра, під якою знаходяться м'язи і венами пульсує кров.

Але досягнувши такого точного, реалістичного зображення насправді скульптори зіткнулися з дивним ефектом.

Зайва реалістичність постаті хлопчика не викликає великого інтересу у одноплемінників, і почуття, які вони відчувають, дивлячись на цю скульптуру більше схожі на розчарування та роздратування, ніж захоплення.

Осягнувши цю істину, давньогрецькі майстри почали шукати інші форми для висловлювання і усвідомили, що глядачеві потрібно таке зображення, щоб включалося його уяву, що допомагає додумувати, домальовувати значущі собі риси і подумки додавали зачаровують деталі.

Особливістю людської психіки і те, що він тяжіє до перебільшення значимих йому параметрів. І, звісно, ​​у кожній епосі ці властивості різні.

Наступним кроком, який зробили давньогрецькі скульптори, було уявити тіло над статиці, а русі.

Реалізм створених ними постатей видно тільки з відривом, але за близькому розгляді деякі елементи виявляються перебільшеними чи применшеними, що неможливо в живої людини.

Найчастіше ноги у статуй подовжені, а в атлетів, щоб підкреслити силу м'язів спини, сильно виділяється лінія хребта. Таким чином стародавні майстри змогли створити більш людське зображення людини ніж попередні і майбутні цивілізації, і більш людський образ, ніж сама людина.

Від культу прекрасного людського тіла маятник історії хитнувся у бік аскетичності, зневаги до тілесного, заперечення фізичних потреб та задоволень.

Християнство за часів Середньовіччя заохочувало добровільні страждання, обмеження їжі, що позначало набуттям духовної просвітленості через смиренність плоті.

Пропорції тіла, не кажучи вже про наготу, вважалися негідним предметом інтересу, і увага приділялася виключно особі як образу безтілесної душі, а саме тіло мало вельми узагальнені форми і були прикриті одягом.

У мистецтві використовують різні євангельські сюжети, самі зображення площинні, лінійні, а простір розумілося ірраціонально. Ще однією важливою рисою мистецтва того століття був символізм, розроблений відповідно до християнських канонів.

В епоху відродження фізична краса людини знову стає важливою. Художники та скульптори приділяли багато уваги дослідження пропорцій тіла і одним із таких прикладів є зображення вітрувіанської людини.

Але увага приділялася не лише фізичному аспекту — Відродження цікавила людина загалом. Сюжети картин черпалися одночасно з античних міфів та легенд, і біблійних оповідей.

Зображення античних богів, апостолів, Христа, Господа, діви Марії та звичайної людини були однакові за стилем зображення. Персонажі картин мали також і яскраво виражені індивідуальні риси і наділялися людською мотивацією вчинків.

Найвищою мірою антропоцентичне і гуманістичне мистецтво досягло неймовірних висот у зображенні людського тіла, його пластики, рухів та емоцій, втіливши це у складному тривимірному просторі та багатопланових сценах.

Сімнадцяте століття ознаменувалося розвитком наукової думки, відмовою від релігійного світогляду та практичним застосуванням досягнень науки для блага людства. З цього моменту в мистецтві вже не було домінуючого виду зображення навколишнього світу та людського тіла.

У епоху Просвітництва існувало відразу два стилі — бароко і класицизм – і потім з'явилися нові напрями.

Зображення людини осмислюється або в неймовірно реалістичному зображенні, коли важлива кожна деталь і все передає не тільки фізичне обличчя, а й духовну суть, або в парадних портретах, коли за чарівністю м'якого оксамиту, повітряного шовку, загадковому мерехтіння перлів і пухнастого хутра людина своїх емоцій, почуттів та прагнень як персонаж своєї епохи.

Художники знаходяться у пошуку різних технік, засобів зображення та передачі кольорової гами, зображують не тільки владу заможних, а й середній клас, селян, пастухів, блазнів та циркачів.

Економічні кризи, низький рівень життя призводять до появи жанрів, коли людина оточена райською природою, розкішшю і вона сама безтурботна, бездумна і неймовірно радісна. Епоха Романтизму привносить образи безстрашних, вольових та мужніх людей, які черпають свої дикі сили з лона природи.

У мистецтві ХХ століття продовжуються класичні традиції реалістичного зображення, що оспівують єднання духовного і фізичного, але мистецтво шукає нові форми – абстрактні – щоб висловити глибокий внутрішній світ людини, відкидаючи фізичне втілення.

Кожна конкретна епоха намагається знайти свої, адекватні духу часу художні форми, засоби та палітру кольорів з метою відображення ціннісних на той час уявлень про людське тіло.

Якими здобутками в архітектурі та техніці будівництва прославилися давні римляни?

Як виглядала ранньохристиянська базиліка та хрестово-купольний храм?

Які будинки прикрашали середньовічні міста-комуни?

Усміхнений ангел - уособлення раю.

Статуя порталу Реймського собору. XIII ст. 1.

Архітектура. Будівельники раннього Середньовіччя багато сприйняли від суворої архітектури древніх римлян, і тому споруди аж до XI-XIII століть називають романськими (Рома - Рим). Романський храм - масивна будівля з майже гладкими стінами, високими вежами та лаконічним декором. Усюди повторюються контури напівкруглої арки - на склепіннях, віконних отворах, входах у храм. Водночас своєю міццю романські храми нагадують замки. І справді, вони нерідко були притулком для населення округу.

Водночас романський храм виконаний закликом до благого роздуму та молитви. Внутрішнє його влаштування також типово середньовічне. Він складається з трьох чи п'яти нефів; центральний неф піднятий над бічними. У плані романський храм має вигляд хреста, у центрі якого - вежа, що завершується пірамідою. З XI століття Західної Європи почалося велике будівництво. Багата церква збільшувала кількість і розміри храмів, перебудовувала старі споруди.

З середини XII століття у вільних містах споруджувалися торгові приміщення, зали для зборів цехів та гільдій, лікарні, готелі. Головними прикрасами міста були ратуша та особливо собор. Побудови XII-XV століть отримали пізніше назву готичних. Тепер легке і високе стрілчасте склепіння спирається всередині на пучки вузьких, високих колон, а зовні - на масивні опорні стовпи та сполучні арки. Зали просторі та високі, в них надходить більше світла та повітря, вони багато прикрашені живописом, різьбленням, барельєфами.

Схема романського храму в розрізі

Інтер'єр романської церкви Сен-Сернен у Тулузі. Франція. XI-XIII ст.

Завдяки широким проходам та наскрізним галереям, великій кількості величезних вікон та мереживного кам'яного різьблення готичні собори здаються прозорими. Обриси стрілчастої арки, круті скати дахів, високі вежі дзвонів - все створює враження стрімкого пориву вгору.

Довгий час собор був найбільшим будинком у місті, нерідко міг вмістити всіх городян. У ньому не лише проводили церковну службу, а й влаштовували збори,

подання на релігійні „

Собор у Реймсі. Західний фа-

теми, слухали лекції професор %ранція. хш _ початок Xivв.

сорів. У величезному ошатному соборі, серед його краси та величі людина переймалася радістю свята, відчут-

Схема готичного храму в інтер'єрі готичного собору в розрізі Бурже. Франція. XIII ст.

ченням могутності Бога, спрямовував до нього свої помисли та почуття.

(Імера. Фрагмент Ьасада собору 1отр-Дам. Париж

Середньовічні собори і зараз захоплюють своєю вишуканою красою, мистецтвом та фантазією їхніх творців. Собори будували та прикрашали протягом багатьох десятиліть, а часом і сторіч. У їхній споруді брало участь безліч майстрів, часом із різних країн. На час будівництва всі майстри поєднувалися в артіль під керівництвом архітектора.

Храм будували так, щоб його було видно всім і звідусіль. Про нього нагадував дзвін своїм мірним звучанням. Ритм дзвонових ударів, церковні фрески, вітражі, скульптури та ікони служили для середньовічних людей мірою та зразком у будні та свята. 2.

Скульптури. У Середні віки скульптура була невіддільною від архітектури і пре-

Іотомки про готичні будівлі

У цих будівлях влаштовували вони стільки виступів, розривів, завитків, що позбавляли свої речі будь-якої пропорційності, і часто, нагромаджуючи одне на інше, вони досягали такої висоти, що верх дверей торкався у них риші. Манера ця була винайдена готами, бо після того, як були розушені стародавні споруди і війни занапастили архітекторів, то живих, що залишилися, стали будувати в цій манері, заповнюючи всю Італію чорт знає якими спорудами... Упаси Боже будь-яку країну від однієї думки про роботи такого роду, настільки безформні... (Дж. Вазарі, італійський живописець, архітектор, історик мистецтва. XVI ст.)

Як я був уражений, коли наблизився до Страсбурзького собору. У ієня дух захопило від його цілісності та величі. Собор складався з тисяч вільних частин, що гармонійно поєднувалися, він захоплював і захоплений, але осягнути, пояснити його собі було неможливо. (І. В. Ге-?, Німецький письменник. XIX століття.)

і 1. Як змінювалося ставлення до готичного мистецтва протягом століть? З додатковою літературою з'ясуйте, чому готика викликала таке відторгнення у людей XVI століття. 2. Як Вазарі пояснює походження назви «готиїська»? Уточніть, чи правий він.

3. У чому ви особисто згодні або не згодні з представленими тут думками? майново присвячувалась релігійним темам: зображувала сцени, описані в християнських книгах, зміцнювала у вірі та лякала муками пекла. Храми прикрашали зовні і всередині сотнями, а то й тисячами рельєфів та статуй, що зображують Бога та Діву Марію, апостолів та святих, єпископів та королів. Наприклад, у соборі в Шартрі (Франція) було до 9 тисяч статуй, за винятком рельєфів.

Маркграф Екке-хард та його дружина Ута. Статуї собору в Наумбурзі. Німеччина. Близько 1250

Вже романському стилі видно вироблені Середньовіччям прийоми прикраси храмів. Найбільшу увагу приділяли західному фасаду, де був головний вхід: багаті прикраси фасаду зазивали в храм. Портали (входи) собору позначали кордон двох світів - грішного, земного та священного, небесного: собор їх і поділяв, і пов'язував між собою.

На капітелях колон, дахах та над дверима зображувалися кентаври, химери та інші казкові істоти. Вони успадковані від язичницьких вірувань та народної творчості – казок, байок, пісень.

Христос благословляє.

Статуя собору в Ам'єні. Франція Близько 1220 р.

На відміну від античного мистецтва, яке прославляло красу людського тіла, художники Середніх віків прагнули розкрити багатство душі, думок і почуттів людини, її напруженого внутрішнього життя.

У готичних статуях святих більше руху, їх тонкі витягнуті постаті особливо швидко передають справжній образ людей.

Головною фігурою декору у храмі, у чернечій келії, у спальні мирян було зображення розп'ятого Христа. Безгрішність і піднесення через страждання та милосердя – ось головна думка середньовічного мистецтва.

Збереглося багато зображень Богоматері - Діви Марії, Мадонни. Її любили самовіддано, їй молилися пристрасно; у ній бачили заступницю за людей перед Сином. Але майстри прагнули у зображенні Мадонни з Немовлям на руках оспівати і жертовну силу материнського кохання.

Ентральний вхід собору Шартре. Франція. Кінець XII в

Фрагмент юрталу собору та Шартре 3.

Живопис. Стіни романських храмів були вкриті розписами. Але на стінах готичних соборів їм залишалося мало місця. Величезні вікна заповнювали вітражі – картини чи візерунки зі шматків кольорового скла, скріплених свинцевими обідками. Через вітражі світло проникало в храм, граючи на колонах, склепіннях і каменях підлоги барвистими відблисками, і це надавало всьому святковому, святковому вигляду.

Великим досягненням живопису була книжкова мініатюра. Безліч яскравих малюнків відбивало все життя людей різного походження та достатку: як вони одягалися та зачісувалися, обставляли житла, працювали та проводили дозвілля, у що вірили та чого боялися. У знаменитих «Великих хроніках» описано у картинках всю історію Франції, починаючи з Меровінгів до XIV століття. В ілюстраціях до німецької книги любовних пісень представлений лицарський побут із турнірами, полюваннями, поклонінням Прекрасній Дамі.

Найславетніший зразок мініатюри - «Календар герцога Беррійського».

Він був виконаний на початку XV століття трьома братами Лімбургами, які працювали у Франції. Мініатюри календаря відобразили нове ставлення до природи: у людей виникало бажання милуватися її красою.

Зображення людей в

хвилини праці, відпочинку, у взаєминах, зв'язках з

природою, передача світла, використання світлотіні - такі були нововведення у книжковій мініатюрі.

"Жовтень". Мініатюра XV ст.

Який настрій створює мініатюра?

Побутові сцени зображалися і на фресках, що особливо притаманно німецьких і скандинавських храмів XIV-XV століть.

1.На підставі тексту та ілюстрацій складіть розповідь про романські та готичні собори. 2. Розробіть таблицю для зіставлення романського і готичного соборів з окремих частин їхнього плану, архітектурних елементів, внутрішнього оздоблення. 3. Які думки та почуття прагнули висловити у своїх творах середньовічні архітектори та скульптори? Якими засобами вони цього досягали? 4. Яким був ефект від використання вітражів у готичному храмі? 5. Що нового внесло пізнє Середньовіччя у книжкову мініатюру та фресковий живопис?

Е1. Яке враження на сучасного глядача справляють середньовічні готичні собори, що збереглися до наших днів? 2. Поясніть сенс фрази: «Готика - дитина міста». 3. З'ясуйте, у чому була схожість і в чому відмінності в архітектурі та у внутрішньому оздобленні католицьких та православних храмів Середньовіччя. Використовуйте додаткову літературу та інтернет-ресурси. 4. Як змінилося зображення людини у середньовічному мистецтві проти античним? 5. Напишіть твір від імені людини, яка вперше потрапила до готичного собору. Які почуття викличе у нього храм своїм зовнішнім та внутрішнім оздобленням?

Урок 2. Давно час

Образ людини - одне з суперечливих понять історія світової художньої культури. Протягом різних епох людина сприймала себе по-різному. І від цього сприйняття змінювався і спосіб його життя. Сьогодні я хочу провести паралель через історичні епохи та показати, як змінювався цей образ.

Епоха античності.
Епоха античності вважається епохою освіченості. Головним у сприйнятті світу люди вважалася природність, а людське тіло служило еталоном у світі мистецтва. Подібно до побудови пропорцій людського тіла, люди зводили будівлі. Бог був людиною, а людина – богом. Богів наділяли людськими пристрастями та пороками і зводили статуї людям, подібно до богів. Людське тіло було храмом. Скульптор відтворював у мармурі кожен рух та кожну складку на одязі. Кожен м'яз був на своєму місці, створюючи враження застиглої в камені миті, подібно до захопленого поглядом горгони Медузи.

Не лише скульптура відтворювала людське тіло. Настінні фрески привносили у приміщення те, що хотіли бачити - пейзажі, сцени застіль, танців, міфологічні мотиви, сцени еротичного характеру. І все було зображено так само – з великою точністю.

У I-III вв нашої ери, після захоплення Єгипту Олександром Македонським, в єгипетському місті Фаюм виготовлялися похоронні портрети, що відрізнялися разючою подібністю з людиною, що жила, і технікою виконання нагадувала картини епохи Відродження. Знову люди навчаться так писати лише за тисячу років.

Епоха середньовіччя.
Епоха середньовіччя, за різними підрахунками, тривала від 800 до 1200 років у різних регіонах Європи. Це був період смутного часу, що включає безліч віх, як в історії, так і в мистецтві. Головним для європейської людини став Бог. Тіло ж перетворилося на рудимент, пута для безсмертної людської душі. Бо ж душа безсмертна, а що є тіло? Тіло звичайно, воно постійно щось хоче: йому треба їсти, спати, йому потрібно тепло, йому потрібна ласка. Ісус страждав заради нас на хресті, і ми повинні страждати через приборкання свого тіла, щоб очистити душу. Людина починається в гріху, народжується в гріху і все життя намагається викупити цей гріх, щоб потрапити в Небесне Царство.



Як і в Єгипті - культ життя після життя, але, на відміну від Єгипту, у середньовічної людини життя почалося тільки після смерті. А якщо тіло - настільки тлінно і, по суті, непотрібне - немає сенсу намагатися зобразити його красиво. Спочатку митці вчилися, як розучитися малювати людей, потім, через віки – знову намагалися навчитися.

Людина була маленькою і нікчемною, але що набуло розвитку - так це храмове мистецтво та архітектура. Смутні часи війни змінилися мирним - романський стиль в архітектурі з його товстими укріпленими стінами і маленькими віконцями-бійницями змінився готикою, і вона стала першим стилем, що об'єднав всю Європу. В епоху готики Церква більше не була оборонною спорудою, де безліч людей знаходилися під захистом Бога (і товстих стін), дедалі більше людей почали відвідувати храми, і від архітекторів потрібно більше внутрішнього простору для вміщення всіх парафіян. Це було вирішено, через розподіл ваги будівлі на аркову конструкцію всередині приміщення та на аркбутани та контрфорси – зовні. Сама назва «Готика» прийшла від глузування, що арочна конструкція соборів нагадувала за своїм виглядом будинки, що конструюються племенами готів, що зв'язують верхівки дерев для створення купоподібного житла. Розподіл ваги будівлі вирішив проблему товстих стін і дозволив архітекторам проектувати величезні віконні отвори, які заповнив вітраж, що з'явився в той же час. Величезна кількість декору довершувала картину - все, що є у світі зроблено Творцем - значить немає нічого поганого, щоб використовувати це скрізь. Тільки уявіть: проста людина з села приїжджає до міста до церкви і перед нею постає чудова величезна ажурна споруда. Він входить усередину і бачить промені світла, що переливається, від блискучих віконних отворів, що зображують святих і сцени з Біблії. І він розуміє, що Бог є насправді.

Епоха Відродження.


Слідом за Середньовіччям приходить епоха Відродження, коли люди почали відкопувати античні міста, знаходити античні предмети мистецтва та розуміти, що колись було по-іншому. Послаблення влади церкви призводить до того, що суспільство стає світським. Художники знову вчаться писати людину, тільки для цього їм доводиться її розкрити, щоб дізнатися, де розташовуються м'язи і кістки, і як правильно правильно написати силует. Вони продовжують писати на релігійні теми, але разом з цим люди замовляють їм свої портрети у вигляді святих, що показує, наскільки церква втратила свою владу в їхніх умах. Художники експериментують із техніками, винаходять нові фарби, нові стилі. Відомо, що Леонардо да Вінчі був одним із перших, хто став писати олією. Його внесок у полотно Верроккйо «Хрещення Христа», уклінний ангел, вийшов настільки яскравим і живим, що Верроккйо, за легендою, пішов з живопису в скульптуру, сказавши, що учень, у свій перший же раз, перевершив вчителя, і йому нема чого його навчити .

Епоха Бароко.
Наступна за епохою Відродження, але відмінна за своїм характером – епоха Бароко. Люди епохи Бароко йдуть у своєму уявленні про красу від античної природності і прагнуть деформувати, модернізувати свої тіла, надати їм нової, ідеальної форми. У моду увійшли корсети, вибілені обличчя з намальованими «мушками», напудрені перуки, в яких копошилися воші та миші. До речі, кудлаті чоловічі перуки були введені в моду королем Людовіком XIV. Живучи за принципом «тримай друзів близько, а ворогів ще ближче», він оточив себе міністрами та воєначальниками, які згодом перетворилися на лізоблюдів, які прагнуть потрапити на очі правителю та повторюють за ним зміни в одязі. Коли Людовік почав лисіти, він одягнув перуку. Усі, хто його оточував, зробили те саме.


В епоху Бароко велике кохання користувалися надлишок деталей, різьблені прикраси, позолота, світильники на величезну кількість свічок. І оптичні ілюзії. Найбільше у плані ілюзій відзначилося італійське Бароко. І неперевершеним майстром вважається флорентійський художник та архітектор, Андреа Поццо. Шедевром Поццо вважаються фрески апсиди, стелі та розпис підкупольного простору римської єзуїтської церкви Сан-Іньяціо. При будівництві церкви через брак коштів не було зведено купол. Ченці вирішили замінити купол розписом і щоб не вибиватися з бюджету і щоб усе було здійснено за єзуїтськими канонами, запросили для цієї роботи одного зі своїх ченців - Андреа Поццо. Поццо почав з розпису невеликого бані в апсиді будівлі. Монахам настільки сподобалася ця робота, що вони замовили розпис підкупольного простору над вівтарем.
У найвищій точці - сам святий Іньяціо, засновник єзуїтської церкви, і небесне царство, що чекає на нього.




Люди стали частіше ставити запитання «Що ми є?». Французький філософ Рене Декарт, спостерігаючи за модними на той час статуями-фонтанами, які стояли нерухомо і, при наближенні до них людини, пожвавлювалися і обливали його водою, подумав - що якщо рух живих організмів так само залежить від важелів, шестерень і поршнів? Він почав шукати відповідь, піддаючи кожне своє судження спростування і прийшов до того, що незаперечною залишилася тільки думка. Так він і дійшов до своєї відомої фрази - "Cogito ergo sum". «Я думаю - отже я існую.»

Епоха класицизму.
В епоху Класицизму митці знову звертаються до античних традицій, беручи їх за зразок. В архітектурі з'являються елементи античних будівель - портики, колони - у живопису - античні статуї, персонажі часто одягнені на античний манер. З цього вийде згодом академізм – стиль у мистецтві, з яким боротимуться імпресіоністи та інші бунтарі мистецтва.

Дві різні частини Світла.
І, на закінчення, я б хотіла поговорити про дві частини світу, які кардинально відрізняються своїми поглядами на те, що таке краса. Це країни Східної Азії – Японія та Китай – і Сполучені Штати Америки.
Я говоритиму про Китай і Японію у зв'язці, тому що в їхній культурі багато спільного, хоч і з сильним впливом менталітету своїх країн. У китайській культурі немає, як такої, цінності людського життя - їх завжди було багато - один піде, на його місце прийде інший. Як кажуть самі китайці: «Немає цінності людського життя – є указ імператора» – якщо тобі треба померти – ти вмираєш. Але, з іншого боку, мета кожної окремої людини в житті – досягти особистісного щастя, і ніхто не має права позбавити тебе цього. Так само, в китайській культурі, кожен символ має приховану силу. Навіть архітектуру вони будують на кшталт якогось ієрогліфа або знака, щоб сама будівля працювала на досягнення поставленої мети. Для Японії – це надто складно. Інь та Ян – єдність протилежностей, у білому є частка чорного, у землі є частка неба – для них це надто складно. Вони взяли з китайської культури те, що вважали за достатнє - гармонія і природність.
Три основні поняття прекрасного в японській культурі – це «ю-ген» – натяк – «вабі» – порожнеча – і «сабі» – патина, доказ кінцівки. Натяк - це напівпрозорі сідзі, світло, що проходить через паперовий ліхтар. Те, що відкрито – не цікаво. Цікаво те, що таїться за розмитою формою. У Японії немає такого відношення до наготи, як у Європі – це природно. А якщо природно, значить не соромно. Нагота не збуджує, якщо не спрямована на це. Набагато цікавіше, коли тіло приховано в шарах одягу, як перлина, і ти здогадуєшся, що там усередині. Те саме можна сказати і про японські кондитерські вироби, які відрізняються дуже тонким, легким смаком. Природною насолодою бобової пасти, агар-агару та доданих для прикраси ягід. Вони не додають туди цукор, бо надмірність – не цікава.
У Європі порожнеча – це щось страшне, незрозуміле, порожнеча – це ніщо. У Японії – порожнеча – це те, з чого все з'являється. Вони не малюють малиновку над півонією – вони малюють порожнечу, щоб відтінити самі фігури. Басе, позначаючи тишу не писав "так тихо", він писав "чутно цокання годинника". Як тиша підкреслюється через тихий звук, і тут - художник впускає порожнечу на полотно через приміщення туди персонажів.
Без смерті не можна збагнути життя. Смерть – частина життя, тому через неї дізнаєшся про красу життя. Японці називають європейців однобокими, за те, що ті заперечують смерть і живуть, щоб жити і радіти. Але забуваючи, що життя кінцеве, неможливо повною мірою насолодитися його повнотою. Без добра немає зла, без поневірянь не зрозумієш всю красу від придбання. Так само і з річчю. Якщо вона пожила своє, якщо вона вкрита тріщинами, потерта – видно її крихкість – від цього вона стає ще прекраснішою – в ній є душа. Навіть у нових печаток спеціально скоюють шматочок, щоб показати їхню кінцівку, природність - а значить красу. За часів античності не допускали жодних відколів та тріщин - предмет кінцевий, а отже, не ідеальний. У Японії навпаки - оскільки все має смерть - це цінується ще більше. Цвітіння сакури – втілення цього. Тому що пелюстки опадають з дерев за дуже короткий термін, і потрібно насолодитись кожною миттю, що ти це бачиш.


США прищеплюють світові, через фільми свою культуру. Культуру недосяжного ідеалу – культуру перетворення, життя у мріях. Ще Джордж Буш старший говорив у своєму виступі, що "свята місія, покладена на Америку - змусити решту всіх думати так само, як і ми". Саме з Америки прийшла мода на пластичні операції – досягнення свого неіснуючого ідеалу. В ідеальному світі ніколи не вмирає головний герой. В ідеальному світі завжди щасливий фінал. Не обов'язково чітко дотримуватись якихось правил, тому ви не знайдете достовірних «історичних» недокументальних фільмів. Це не їхня історія – не вони ходять щодня на роботу через Парфенон – нарядили людей у ​​тоги, поставили колони – вже Греція. І не важливо, як взаємодіятимуть люди. Тому кожен подібний фільм показує нам сучасних американців у різних декораціях. Головне, щоб було видовищно. Так само й у стилях. Америка - країна своїх стилів та форм. Тут немає художніх стилів, зрозумілих нам – бароко, класицизму, ар ново – там є палацовий стиль, в якому міститься все, що людина вважає розкішшю: колони, золотий унітаз, ліжко з балдахіном. Морський стиль, тропічний, індустріальний - і багато чого іншого.
Також слід зауважити, що американці - люди, які не люблять, коли їх вважають дурними, тому їм не подобаються складні форми та метафори, яких вони не можуть зрозуміти. Сюди входять і надто прості порівняння - з тієї ж причини. Основна маса людей прибуває в "золотій середині" між цими полюсами - в красиво поданому просторі, завуальованому настільки, щоб людині здавалося, що він сам про все здогадався. І є люди, які вигадують та створюють цю середину для простих громадян.
Американська культура відрізняється відсутністю фольклору. У переселенців не з'явилося своїх міфів, не зародилося нових богів – вони були надто «дорослими» для цього. Тому американці створили своїх джинів та лепреконів. У них з'явилися супергерої. Америка – єдина країна, яка має супергероїв. Що ж таке супергерой? Ідеальна людина, яка створює ідеальний світ.

*матеріал зібраний з різних джерел

Потворні – це ще м'яко сказано. На середньовічних зображеннях діти схожі на моторошних карликів з високим рівнем холестерину, серйозно стурбованих житловими питаннями. Немовля на картині «Мадонна з Вевержі» майстра Вишебродського вівтаря виглядає так, наче його зараз звільнять за сексуальні домагання.

На полотні «Мадонна з немовлям» Паоло Венеціано 1333 року дитина надто страшна навіть для фільму Девіда Лінча.

Зображення цих дітей, які більше нагадують дорослих чоловіків, змушують задуматися, чому починаючи з епохи Ренесансу замість них почали малювати милих херувимів. Порівняння середньовічних та ренесансних зображень показує, як сильно змінився концепт дитячої особи. Щоб зрозуміти, чому на середньовічних зображеннях стільки потворних дітей, необхідно звернутися до історії мистецтва, середньовічної культури та сучасних уявлень про дітей.

Середньовічні художники просто погано малювали?

"Потворність" немовляти цілком могла бути навмисною. Кордон між картинами з негарними та симпатичними дітьми збігається з кордоном між Середньовіччям та Ренесансом. У різні часи головними цінностями люди вважали різне: якщо художник Ренесансу думав дітей не так, як художник Середньовіччя, зображення відобразить цю зміну. «Якщо ми маємо принципово інші уявлення про дітей, картини продемонструють наше ставлення до них, - вважає Аверетт. - Середньовіччю властивий певний стиль малювання. Звичайно, можна сказати, що герої живопису того часу зображені нереалістично, але це зауваження можна віднести і до персонажів Пікассо ». Епоха Ренесансу принесла з собою художні інновації, проте не вони спричинили те, що дітей почали малювати «краще».

Можна виділити дві причини того, чому в середньовічному мистецтві діти виглядають «мужикуватими»:

1) Здебільшого дитячі зображення у Середньовіччі – це зображення Ісуса. Концепція гомункулярного Христа впливала на загальну традицію зображення дітей.

Середньовічний портрет дитини зазвичай створювався на замовлення церкви. Це обмежувало спектр зображуваних персон до немовляти Ісуса та ще кількох дітей із біблійних сюжетів. На середньовічне розуміння Христа вплинув образ гомункула, що дослівно перекладається як «чоловічка». Ідея гомункулярного Ісуса полягала в тому, що Божий син вже при народженні має ідеальне тіло, а його риси не змінюються з ходом часу. Аверетт стверджує, що, якщо зіставити цю концепцію з традицією візантійського живопису, можна пояснити, чому на багатьох зображеннях немовля Христос зображене лисіючим. Пізніше традиція зображення Ісуса, що виглядає дорослим, стала конвенційною для іконографії. Через якийсь час люди стали вважати, що тільки так можна малювати дитину.

Дитина пензля Барнаба да Модена (працювала в 1361-1383 роках) на межі кризи середнього віку.

2) Середньовічні художники були зацікавлені у реалістичної манері живопису

Нереалістичне зображення Ісуса говорить про те, що середньовічне мистецтво потребує ширшого підходу. Очевидно, що художники того часу не малювали в стилі реалізму і водночас не ідеалізували форми тіла, подібно до художників Відродження. Дива, які нам бачаться в мистецтві Середньовіччя, виникали через те, що художники не підходили до предмета з позиції натуралізму, а більше схилялися до експресіоністських способів передачі об'єкта. Однак ця особливість середньовічного мислення робила більшість людей, що зображуються, дуже схожими. Ідея творчої свободи (художник може малювати людей так, як йому заманеться) щодо нова. У Середньовіччі все ще сильні мистецькі конвенції. У такому стилі малювання зберігався традиційний образ немовляти, схожого на обрюзглого слабохарактерного батька - принаймні до Ренесансу.

Як Ренесанс зробив дітей гарними

Гарна і мила дитина, написана Рафаелем у 1506 році

То чому дітей стали зображати гарними?

1) У Нову епоху процвітало світське мистецтво: люди захотіли дивитися на симпатичних дітей, а не на маленьких і потворних людей похилого віку

У Середньовіччі практично не було мистецтва «середнього класу» чи простонародного живопису. Після зростання доходів громадян Флоренції у культурі Ренесансу став формуватися запит на портрети дітей. Прості люди зі своїми бажанням увічнити нащадків на картинах розширили межі портретного живопису. Замовник не хотів бачити свого сина в образі страшного гомункула. Це змістило межі допустимого в зображенні дітей, і в результаті традиція поширилася і на немовля Ісуса.

2) Ідеалізм Ренесансу змінив мистецтво

В епоху Відродження у художника виникає новий інтерес – спостерігати за природою та зображати речі такими, якими він їх бачить. Експресіоністська манера, властива мистецтву Середньовіччя, йде. Це призводить, зокрема, до появи реалістичних зображень немовлят - прекрасних херувимів, які запозичують найкращі риси реальних людей.

3) Діти стали безневинними створіннями

Аверетт пропонує не проводити грубого розмежування між середньовічною та ренесансною ментальністю, властивою батькам цих епох. На поширену думку, зміна мислення в епоху Ренесансу вплинула на традицію зображення дітей, проте батьки в Середньовіччі любили своїх дітей приблизно так само, як і батьки в епоху Відродження. Втім, вже під час Ренесансу відбувається трансформація самої концепції дитини: з маленьких дорослих діти перетворюються на винятково невинних створінь. Це сталося, коли в суспільстві поширилася думка про те, що кожна дитина народжується безгрішною і ще нічого не знає про світ. Щойно ставлення дорослих до дітей змінилося, змінилися портрети дітей, створювані дорослими й у дорослих. Потворні немовлята в живописі Середньовіччя або красиві в епоху Ренесансу - лише відображення суспільних уявлень про те, як люди думали про дітей, свої батьківські завдання та мистецтво.

Чому ми все ще хочемо, щоб наші діти мали гарний вигляд?

Під впливом усіх перелічених факторів діти сьогодні – виключно пупси, яких хочеться ущипнути за щоку. Зрозуміло, що у суспільстві досі живі деякі постренесансні уявлення, пов'язані з ідеалізацією дітей. Звичайно, для сучасної людини зміна традиції зображення дітей – це плюс, адже, погодьтеся, таке личко може сподобатися лише рідній мамі:

Дитина на іконі з Бітонто (1304) виглядає так, ніби не хоче грати в хованки.