"Inetu" on pehmelt öeldes. Beebid keskaegsetel maalidel näevad välja nagu kohutavad kõrge kolesteroolitasemega väikesed mehed.

Need on 1350. aasta lapsed:

Õudne beebi aastast 1350 Vyshebrodi altari meistri kompositsioonis “Veveří Madonna”. Foto: .

Või siin on veel üks 1333. aastast:

Itaalias maalitud "Madonna ja laps", Paolo Veneziano, 1333. Foto: Mondadori Portfolio/.

Vaadates neid koledaid väikseid inimesi, mõtleme, kuidas meil õnnestus koledate keskaegsete lastepiltide juurest liikuda renessansi- ja uusaja inglibeebideni. Allpool on kaks pilti, mis näitavad, kui palju on ettekujutus lapse näost muutunud.

Foto: .

Foto: Filippino Lippi/ .

Miks oli maalidel nii palju inetuid beebisid? Põhjuste mõistmiseks peame vaatama kunstiajalukku, keskaegset kultuuri ja isegi meie kaasaegseid ettekujutusi lastest.

Võib-olla olid keskaegsed kunstnikud lihtsalt joonistamises halvad?

Selle 15. sajandi maali on teinud Veneetsia kunstnik Jacopo Bellini, kuid beebi on kujutatud keskaegses stiilis. Foto: .

Lapsi kujutati meelega koledana. Piir keskaja ja renessansi vahel on kasulik, kui mõelda üleminekule "koledatelt" lastelt palju armsamatele. Erinevate ajastute võrdluses kipuvad ilmnema väärtuste erinevused.

« Kui me mõtleme lastele põhimõtteliselt teises valguses, peegeldub see maalidel -ütleb Averett. "See oli stiili valik." Võiksime vaadata keskaegset kunsti ja öelda, et need inimesed ei näe õiged välja. Aga kui eesmärk on muuta maal Picasso sarnaseks ja loote realistliku pildi, siis öeldakse teile, et tegite seda valesti. Kuigi kunstilised uuendused tulid koos renessansiga, ei ole need põhjuseks, miks beebid ilusamaks muutusid».

Märkus: On üldtunnustatud seisukoht, et renessanss sai alguse 14. sajandil Firenzest ja levis sealt üle kogu Euroopa. Kuid nagu iga intellektuaalset liikumist, iseloomustatakse seda nii liiga laialt kui ka kitsalt: liiga laialt selles mõttes, et loob mulje, et renessansi väärtused tekkisid hetkega ja kõikjal, ning liiga kitsalt selles, et piirab massiliikumise ühte tsooni. uuenduslikkust. Renessansis oli lünki – kui kunstnik oli sellele stiilile pühendunud, võis kergesti näha pilti 1521. aastal koledast lapsest.

Saame jälgida kahte põhjust, miks keskajal maalidel olevad imikud mehised välja nägid:

• Enamik keskaegseid beebisid olid Jeesuse kujutised. Idee homunkulaarsest Jeesusest (et Ta sündis täiskasvanu, mitte lapse sarnasena) mõjutas seda, kuidas kõiki lapsi kujutati.

Keskaegsed lasteportreed loodi reeglina kiriku tellimusel. See tähendab, et nad kujutasid kas Jeesust või mitut teist piibellikku beebit. Keskajal mõjutas Jeesuse kohta käivaid ideid tugevalt homunculus, mis tähendab sõna-sõnalt väikemees. « Selle idee kohaselt ilmus Jeesus täielikult vormituna ega muutunud -ütleb Averett. – Ja kui võrrelda seda Bütsantsi maalikunstiga, saame standardpildi Jeesusest. Mõnel maalil näib tal olevat meeste kiilaspäisuse märke».

Barnaba da Modena maal (aktiivne 1361–1383). Foto: DeAgostini/.

Homunkulaarne (täiskasvanu välimusega) Jeesus sai kõigi laste joonistuste aluseks. Aja jooksul hakati lihtsalt mõtlema, et just nii tuleb beebisid kujutada.

• Keskaegseid kunstnikke huvitas realism vähem

See ebarealistlik Jeesuse kujutamine peegeldab laiemat lähenemist keskaegsele kunstile: keskaja kunstnikke huvitas vähem realism või idealiseeritud vormid kui nende renessansiaegsed kolleegid.

« See kummalisus, mida me keskaegses kunstis näeme, tuleneb huvi puudumisest naturalismi vastu ja suuremast kalduvusest ekspressionistlike traditsioonide poole., ütleb Averett.

See omakorda viis selleni, et enamikku keskaja inimesi kujutati sarnastena. " Idee kunstilisest vabadusest joonistada inimesi nii, nagu soovite, oleks uus. Kunstis järgiti konventsioone».

Sellest maalimisstiilist kinnipidamine muutis beebid vähemalt kuni renessansiajastu välja nagu vormist väljas olevad isad.

Kuidas lapsed renessansiajal taas ilusaks said

Armas laps Raffaeli maalil, 1506. Foto: Fine Art Images/Heritage Images/.

Mis muutus ja viis selleni, et lapsed said taas ilusaks?

• Mittereligioosne kunst õitses ja inimesed ei tahtnud, et nende lapsed näeksid välja nagu jube väikesed inimesed

« Keskajal näeme vähem pilte keskklassist ja tavainimestest"ütleb Averett.

Renessansiajastuga hakkas see muutuma, kuna Firenze keskklass õitses ja inimesed said endale lubada oma laste portreesid. Portreede populaarsus kasvas ja kliendid soovisid, et nende lapsed näeksid välja pigem armsad beebid kui koledad homunkulid. Nii muutusid standardid kunstis mitmel viisil ja lõpuks ka Jeesuse portreede joonistamises.

• Renessansi idealism muutis kunsti

« Renessansi ajal - Averett ütleb: – tekkis uus huvi looduse vaatlemise ja asjade kujutamise vastu nii, nagu neid tegelikult nähti" Ja mitte varem väljakujunenud ekspressionistlikes traditsioonides. See kajastus realistlikumates imikute portreedes ja kaunites keerubites, mis neelasid tõeliste inimeste parimad omadused.

• Lapsi tunnistati süütuteks olenditeks

Averett hoiatab laste rolli suhtes renessansiajal liiga erilise suhtumise eest – keskajal armastasid vanemad oma lapsi teistmoodi kui renessansiajal. Kuid idee lastest ja nende taju on muutunud: väikestest täiskasvanutest süütuteks olenditeks.

Ümbritseva maailma visuaalne tajumine on inimese elus kahtlemata kõige olulisem, sest inimene tajub rohkem kui kaheksakümmend protsenti informatsioonist tänu visuaalsetele retseptoritele.

Inimesed kogevad maailma läbi piltide ja vähemal määral ka helide, puudutuse, lõhna ja maitse kaudu.

Juba iidsetest aegadest on inimesed püüdnud kujutada ümbritsevat maailma ning pildi kõige sagedamini korratud ja huvitavaim teema on inimkeha.

On hämmastav, kui atraktiivne see on ja kui lugematu arv kõige ebatavalisemaid pilte on kunstiajaloos ürgajast meie ajani.

Kahtlemata on see ammendamatu inspiratsiooniallikas ja pidev huviobjekt maalikunstis, skulptuuris, fotograafias ja televisioonis.

Kuigi inimkeha ise on püsinud peaaegu muutumatuna palju sajandeid, ei ole kujutised sageli inimese täpne koopia.

Ideed ilust ja ideaalist on pidevalt muutunud ning igal ajastul tajuvad inimesed end erinevalt. Sageli on see lihtsalt kujutlus, mis sarnaneb inimesega – omamoodi kujutletav inimkeha kujutis.

Ja see pole üllatav, sest meie maailm on vaid illusioonide maailm, mille loov inimene on reaalsuseks tõstnud. Kuid igal ajal ja igal ajastul on eriline võti, et mõista, miks inimesed end nii esitlevad, nagu nad seda teevad.

Primitiivse kunsti iidseid naisekujukesi vaadates märkad tahes-tahtmata, et osa kehadetaile on kas meelega puudu või oluliselt alahinnatud, teised aga groteskselt liialdatud.

See viitab tahes-tahtmata sellele, mida primitiivses ühiskonnas täpselt hinnati. Karmid elutingimused ja vajadus liigi püsimajäämise järele sundis siduma mahukat naisekeha külluse- ja iluideaaliga, mis annaks võimaluse oma rassi jätkata.

Egiptuse riik - üks iidsemaid ja see tsivilisatsioon jättis endast maha kõige originaalsema ja rangelt kanoonilisema kunsti.

Olles tekkinud rohkem kui seitse tuhat aastat tagasi, eksisteeris see muutumatul kujul peaaegu viis tuhat aastat. Alati ühepikkuse ja sama kehatüübiga figuuride range geomeetrilisus peidab endas peamist mõistatust – miks on kõik kujutised nii ühetaolised?

Liikudes ühiskonna arengu teise etappi, on inimkond kaotanud lihava keha ja suurte rasvavarude väärtuse. Vana-Egiptuse ühiskonnas valitses range hierarhia, inimesed kummardasid jumalaid, uskusid hauatagusesse ellu ja pidasid vaaraod jumal Ra kehastuseks maa peal.

Vaarao pidi olema nagu jumalad ja kõik lahknevused selle kujutisega peideti hoolikalt. Valitsejate välimusele anti samad tunnused mitte ainult piltides, vaid ka elus.

Ühiskond ei tahtnud muutuda ja püüdis jääda samaks, seetõttu on selle formaliseeritud kunsti kujundite selges geomeetrilises joonduses peidus ühiskonna püüdluste liialdus - jääda selliseks, nagu ta on hetkel ja mitte muutuda. , luues sellega maa peal igaviku.

Tõusis veidi hiljem Vana-Kreeka kultuur ta võttis palju egiptlastelt üle ja paljud skulptuurid nägid alguses välja nagu Egiptuse omad.

Kuid soov kujutada inimkeha võimalikult realistlikult sundis skulptoreid otsima uusi tehnoloogiaid. Selles tsivilisatsioonis valitses kehakultus, mis tõstis nii inimese välise kui ka sisemise ilu absoluudini. Füüsiline ilu viitas ka hinge ilule.

Kreeklased olid kindlad, et maa peale laskuvad Olümpose jumalad võtsid ilusa mehe, naise või looma kuju ning mida ilusam oli keha, seda lähedasem ta end jumalale tundis.

Piltidega katsetades saavutasid iidsed kreeklased enneolematut edu ja saavutasid skulptuuris maksimaalse realismi.

Nii olid poiss Critiase skulptuuris kõik kehaosad – pea, silmad, nina, kõrvad, suu, torso, jalad ja käed – elutruud. Tundub, et tegemist pole külma marmoriga, vaid elava nahaga, mille all on lihased ja veenide kaudu pulseeriv veri.

Kuid saavutanud nii täpse, realistliku reaalsuse kujutamise, seisid skulptorid silmitsi kummalise efektiga.

Poisi figuuri liigne realistlikkus ei ärata tema hõimukaaslastes erilist huvi ning tunded, mida nad seda skulptuuri vaadates kogevad, on pigem pettumuse ja ärrituse kui imetluse moodi.

Olles seda tõde mõistnud, hakkasid Vana-Kreeka meistrid otsima muid väljendusviise ja mõistsid, et vaataja vajab sellist pilti, et tema kujutlusvõime lülituks sisse, aidates tal välja mõelda, täiendada enda ja vaimselt olulisi jooni. lisada põnevaid detaile.

Inimpsüühika eripäraks on see, et see kipub liialdama tema jaoks olulisi omadusi. Ja loomulikult on need omadused igal ajastul erinevad.

Järgmine samm, mille Vana-Kreeka skulptorid astusid, oli keha esitlemine mitte staatilises, vaid liikumises.

Nende loodud figuuride realistlikkus on nähtav vaid distantsilt, kuid lähemal uurimisel osutuvad mõned elemendid ülepaisutatuks või pisendatuks, mis elaval inimesel on võimatu.

Tihti on kujude jalad piklikud ja sportlastel on seljalihaste tugevuse rõhutamiseks väga esile tõstetud harjajoon. Seega suutsid muistsed meistrid luua inimesest inimlikuma kuvandi kui varasemad ja tulevased tsivilisatsioonid ning inimlikuma kuvandi kui inimene ise.

Kauni inimkeha kultusest on ajaloo pendel liikunud askeesi, kehapõlguse, füüsiliste vajaduste ja naudingute eitamise poole.

Kristlus soodustas keskajal vabatahtlikke kannatusi ja toidupiiranguid, mis tähendas vaimse valgustuse omandamist liha alandlikkuse kaudu.

Keha proportsioone, alastusest rääkimata, peeti väärituks huviobjektiks ning tähelepanu pöörati eranditult näole kui kehatu hinge kujutisele ning keha ise oli väga üldistatud vormidega ja riietega kaetud.

Kunstis kasutatakse erinevaid evangeeliumi teemasid, pildid ise on tasased, lineaarsed, ruumi mõisteti irratsionaalselt. Teiseks selle sajandi kunsti oluliseks tunnuseks oli sümboolika, mida arendati kooskõlas kristlike kaanonitega.

Renessansi ajal inimese füüsiline ilu muutub taas oluliseks. Kunstnikud ja skulptorid pöörasid palju tähelepanu keha proportsioonide uurimisele ja üheks selliseks näiteks on Vitruviuse mehe kujutis.

Kuid tähelepanu ei pööratud ainult füüsilisele aspektile – renessanss tundis huvi inimese kui terviku vastu. Maalide teemad on ammutatud üheaegselt iidsetest müütidest ja legendidest ning piiblilugudest.

Muistsete jumalate, apostlite, Kristuse, Issanda, Neitsi Maarja ja tavalise inimese kujutised olid kujundistiililt samad. Maalide tegelastel olid ka selgelt väljendunud individuaalsed jooned ja nende tegudeks oli inimlik motivatsioon.

Väga antropotsentriline ja humanistlik kunst on inimkeha, selle plastilisuse, liigutuste ja emotsioonide kujutamisel saavutanud uskumatud kõrgused, kehastades seda keerulises kolmemõõtmelises ruumis ja mitmemõõtmelistes stseenides.

17. sajandit iseloomustas teadusliku mõtte areng, religioosse maailmavaate tagasilükkamine ja teadussaavutuste praktiline rakendamine inimkonna hüvanguks. Sellest hetkest peale ei olnud kunstis enam domineerivat kujunditüüpi ümbritsevast maailmast ja inimkehast.

Valgustusajastul oli kohe kaks stiili - barokk ja klassitsism - ning hiljem tekkisid uued suunad.

Inimese kujundit tõlgendatakse kas uskumatult realistliku kujundina, mil iga detail on oluline ja kõik ei anna edasi ainult füüsilist välimust, vaid ka vaimset olemust, või tseremoniaalsetes portreedes, kui pehme sametise, õhulise siidi võlu, pärlite ja koheva karva müstiline virvendus, inimene ilmub ilma emotsioonide, tunnete ja püüdlusteta oma ajastu tegelasena.

Kunstnikud otsivad erinevaid tehnikaid, värvide kujutamise ja edasiandmise vahendeid, nad ei kujuta ainult võimukandjaid, vaid ka keskklassi, talupoegi, karjaseid, narri ja tsirkuseartiste.

Majanduskriisid ja madal elatustase toovad kaasa žanrite tekkimise, kui inimest ümbritseb paradiislik loodus, luksus ning ta ise on hoolimatu, mõtlematu ja uskumatult rõõmus. Romantiline ajastu toob pilte kartmatutest, tahtejõulistest ja julgetest inimestest, kes ammutavad metsikut jõudu looduse rüpest.

Kahekümnenda sajandi kunstis jätkuvad klassikalised realistliku kujutamise traditsioonid, mis ülistavad vaimse ja füüsilise ühtsust, kuid kunst otsib uusi – abstraktseid – vorme väljendamaks inimese sügavat sisemaailma, heites kõrvale füüsilise kehastuse.

Iga konkreetne ajastu püüab leida oma ajastu vaimule adekvaatseid kunstilisi vorme, vahendeid ja värvipaletti, et kajastada tolleaegseid väärtusteid inimkehast.

Millised saavutused arhitektuuris ja ehitustehnoloogias tegid muistsed roomlased kuulsaks?

Milline nägi välja varakristlik basiilika ja ristkupliga kirik?

Millised hooned kaunistasid keskaegseid linnakommuune?

Naeratav ingel on taeva kehastus.

Reimsi katedraali portaali kuju. XIII sajand 1.

Arhitektuur. Varase keskaja ehitajad võtsid palju üle iidsete roomlaste rangest arhitektuurist ja seetõttu nimetati kuni 11.-13. sajandini hooneid romaani (“Roma” – Rooma). Romaani tempel on massiivne hoone peaaegu siledate seinte, kõrgete tornide ja lakoonilise kaunistusega. Poolringikujulise kaare piirjooned korduvad kõikjal - võlvidel, aknaavadel ja templi sissepääsudel. Samas meenutavad romaani stiilis kirikud oma jõuga losse. Ja tõepoolest, need olid sageli piirkonna elanike varjupaigaks.

Samal ajal täidab romaani tempel üleskutse heale järelemõtlemisele ja palvele. Selle sisemine struktuur on samuti tüüpiliselt keskaegne. See koosneb kolmest või viiest laivist; kesklööv on tõstetud külgmistest kõrgemale. Plaaniliselt on romaani stiilis tempel ristikujuline, mille keskel on püramiidiga lõppev torn. Alates 11. sajandist algas Lääne-Euroopas suur ehitus. Rikas kirik suurendas kirikute arvu ja suurust ning ehitas ümber vanu hooneid.

Alates 12. sajandi keskpaigast ehitati vabadesse linnadesse kaubanduspindu, töökodade ja gildide koosolekute saale, haiglaid ja hotelle. Linna peamised kaunistused olid raekoda ja eriti katedraal. 12.-15. sajandi hooneid hakati hiljem nimetama gootideks. Nüüd toetavad kerget ja kõrget teravatipulist võlvi seest kitsaste kõrgete sammaste kimbud ning väljast massiivsed tugisambad ja ühenduskaared. Saalid on avarad ja kõrged, neisse pääseb rohkem valgust ja õhku, neid kaunistavad rikkalikult maalid, nikerdused, bareljeefid.

Romaani templi läbilõikeskeem

Toulouse'i romaani stiilis Saint-Sernini kiriku interjöör. Prantsusmaa. XI-XIII sajandil

Tänu laiadele käikudele ja galeriidele, suurele hulgale tohututele akendele ja pitsilistele kivinikerdustele tunduvad gooti katedraalid läbipaistvad. Terava kaare korduvad piirjooned, järsud katusekalded, kõrged kellatornid – kõik loob mulje kiirest ülespoole sööstmisest.

Pikka aega oli katedraal linna suurim hoone, kuhu mahtus sageli kõik linlased. See mitte ainult ei pidanud jumalateenistusi, vaid pidas ka koosolekuid,

esitused religioosse " "

Reimsi katedraal. lääne fa-

teemadel, kuulas professor %Prantsusmaa loenguid. xsh _ 14. sajandi algus.

pesakond Hiiglaslikus elegantses katedraalis, selle ilu ja suursugususe seas, imbus inimene puhkuserõõmust, tundes

Gooti templi skeem gooti stiilis katedraali interjööris Bourget' osas. Prantsusmaa. XIII sajand

Jumala väega suunas ta oma mõtted ja tunded tema poole.

(imera. Fragment Basada katedraalist 1. Dame. Pariis

Keskaegsed katedraalid rõõmustavad meid siiani oma suurepärase ilu, kunsti ja loojate kujutlusvõimega. Katedraale ehitati ja kaunistati paljude aastakümnete ja mõnikord ka sajandite jooksul. Nende ehitamisel osalesid paljud käsitöölised, mõnikord erinevatest riikidest. Ehituse käigus ühinesid kõik käsitöölised arhitekti juhtimisel artelliks.

Tempel ehitati nii, et see oleks kõigile ja kõikjal nähtav. Kelluke meenutas teda oma mõõdetud heliga. Kellade, kiriku freskode, vitraažide, skulptuuride ja ikoonide rütm oli keskaegsele inimesele mõõdupuuks ja eeskujuks argi- ja pühadepäevadel. 2.

Skulptuur. Keskajal oli skulptuur arhitektuurist lahutamatu ja

Märkmeid gooti ehitiste kohta

Nendes hoonetes lõid nad nii palju eendeid, murde ja lokke, et jätsid oma asjadel igasuguse proportsionaalsuse ning sageli jõudsid nad üht asja teise peale kuhjades nii kõrgele, et ukse ülaosa puudutas katust. Selle viisi mõtlesid välja gootid, sest pärast seda, kui iidsed hooned hävisid ja sõjad hävitasid arhitektid, hakkasid ellujäänud niimoodi ehitama, täites kogu Itaalia jumal teab milliste ehitistega... Hoidku jumal ühelgi riigil üks mõte sedalaadi teostest, nii vormitu... (G. Vasari, itaalia maalikunstnik, arhitekt, kunstiajaloolane. 16. saj.)

Kui üllatunud ma Strasbourgi katedraalile lähenedes olin. Mind hämmastas selle terviklikkus ja suursugusus. Katedraal koosnes tuhandetest eraldiseisvatest, harmooniliselt ühendatud osadest, see pakkus rõõmu ja imetlust, kuid seda oli võimatu mõista ega endale seletada. (I. V. Go-?, saksa kirjanik. 19. saj.)

ja 1. Kuidas muutus suhtumine gooti kunsti sajandite jooksul? Uurige lisakirjanduse abil, miks gooti stiil 16. sajandi inimeste seas sellise tõrjumise põhjustas. 2. Kuidas seletab Vasari nime “gooti” päritolu? Uurige, kas tal on õigus.

3. Kuidas te isiklikult nõustute või ei nõustu siin esitatud arvamustega? oli peamiselt pühendatud religioossele teemale: kujutas kristlikes raamatutes kirjeldatud stseene, tugevdas usku ja hirmutas põrgupiinadega. Templid olid seest ja väljast kaunistatud sadade, kui mitte tuhandete reljeefide ja kujudega, mis kujutasid Jumalat ja Neitsi Maarjat, apostleid ja pühakuid, piiskoppe ja kuningaid. Näiteks Chartresi (Prantsusmaa) katedraalis oli kuni 9 tuhat kuju, arvestamata reljeefe.

Markkrahv Ekkehard abikaasa Utaga. Naumburgi katedraali kujud. Saksamaa. Umbes 1250

Juba romaani stiilis on näha keskajal välja töötatud kirikute kaunistamise tehnikaid. Suurimat tähelepanu pöörati läänefassaadile, kus oli peasissepääs: fassaadi rikkalikud kaunistused tundusid kutsuvat templisse. Katedraali portaalid (sissepääsud) tähistasid kahe maailma – patuse, maise ja püha, taevase – piiri: katedraal nii eraldas kui ka ühendas omavahel.

Sammaste kapiteelidel, katustel ja uste kohal kujutati kentaure, kimääre ja muid muinasjutulisi olendeid. Need on päritud paganlikest uskumustest ja rahvakunstist – muinasjuttudest, muinasjuttudest, lauludest.

Kristuse õnnistus.

Amiensi katedraali kuju. Prantsusmaa Umbes 1220

Erinevalt iidsest kunstist, mis ülistas inimkeha ilu, püüdsid keskaja kunstnikud paljastada inimese hinge, mõtete ja tunnete rikkust, tema intensiivset siseelu.

Gooti stiilis pühakukujudes on rohkem liikumist nende õhukesed piklikud figuurid annavad eriti ilmekalt edasi inimeste tõelist välimust.

Templis, kloostrikambris ja ilmikute magamistoas oli peamiseks dekoratiivfiguuriks ristilöödud Kristuse kujutis. Patutus ja ülendamine läbi kannatuste ja halastuse – see on keskaegse kunsti põhiidee.

Jumalaemast – Neitsi Maarjast, Madonnast – on säilinud palju pilte. Nad armastasid teda ennastsalgavalt, palvetasid kirglikult tema poole; teda peeti rahva eestkostjaks Poja ees. Kuid meistrid püüdsid ülistada emaarmastuse ohvrijõudu, kujutades Madonnat lapsega süles.

Chartresi katedraali peasissepääs. Prantsusmaa. 12. sajandi lõpp

Fragment katedraali jurtaalist ja Chartres 3.

Maalimine. Romaani kirikute seinad olid kaetud maalidega. Kuid gooti katedraalide seintel oli nende jaoks vähe ruumi. Hiiglaslikud aknad olid täidetud vitraažidega – värvilistest klaasitükkidest tehtud maalide või mustritega, mis olid kinnitatud pliivelgedega. Läbi vitraažakende tungis valgus templisse, mängides värviliste peegeldustega sammastel, kaartel ja põrandakividel ning see andis kõigele elegantse, piduliku ilme.

Maalikunsti suur saavutus oli raamatuminiatuurid. Paljud eredad joonistused peegeldasid erineva päritolu ja sissetulekuga inimeste kogu elukäiku: kuidas nad riietusid ja kammisid juukseid, sisustasid kodu, töötasid ja veetsid vaba aega, millesse nad uskusid ja mida kartsid. Kuulsad “Suured kroonikad” kirjeldavad piltidena kogu Prantsusmaa ajalugu, alates merovinglastest kuni 14. sajandini. Saksa armastuslaulude raamatu illustratsioonid kujutavad rüütlielu koos turniiride, jahtide ja kauni leedi kummardamisega.

Kõige kuulsam miniatuuri näide on "Berry hertsogi kalender".

Selle valmistasid 15. sajandi alguses kolm Prantsusmaal töötanud Limburgi venda. Kalendri miniatuurid peegeldasid uut suhtumist loodusesse: inimestel tekkis soov selle ilu imetleda.

Inimeste pildid

minutid tööd, puhkust, suhetes, sidemed

loodus, valguse läbilaskvus, chiaroscuro kasutamine – need olid raamatuminiatuuride uuendused.

"oktoober". Miniatuur 15. sajandist.

Millise meeleolu miniatuur sinus loob?

Freskodel kujutati ka argistseene, mis on eriti omane 14.-15. sajandi Saksa ja Skandinaavia kirikutele.

1. Koostage teksti ja illustratsioonide põhjal lugu romaani ja gooti stiilis katedraalidest. 2. Koostage tabel romaani ja gooti katedraalide võrdlemiseks vastavalt nende plaani üksikutele osadele, arhitektuurilistele elementidele ja sisekujundusele. 3. Milliseid mõtteid ja tundeid püüdsid keskaegsed arhitektid ja skulptorid oma töödes väljendada? Milliste vahenditega nad selle saavutasid? 4. Milline mõju oli vitraažide kasutamisel gooti kirikus? 5. Mida uut tõi hilisem keskaeg raamatuminiatuuridesse ja freskomaali?

E1. Millise mulje jätavad tänapäeva vaatajale keskaegsed gooti stiilis katedraalid, mis on säilinud tänapäevani? 2. Selgitage väljendi "gootika on linna laps" tähendust. 3. Uuri välja, millised olid sarnasused ja erinevused keskajal katoliku ja õigeusu kirikute arhitektuuris ja siseviimistluses. Kasutage täiendavat kirjandust ja veebiressursse. 4. Kuidas on inimese kuvand muutunud keskaegses kunstis võrreldes antiikkunstiga? 5. Kirjutage essee inimese nimel, kes astus esimest korda gooti stiilis katedraali. Milliseid tundeid tempel oma välise ja sisemise kaunistusega temas äratab?

Õppetund 2. On viimane aeg

Inimese kuvand on maailma kunstikultuuri ajaloos üks vastuolulisemaid mõisteid. Läbi erinevate ajastute tajusid inimesed end erinevalt. Ja sellest arusaamast muutus tema eluviis. Täna tahan tuua paralleeli läbi ajalooliste ajastute ja näidata, kuidas see kuvand on muutunud.

Antiigi ajastu.
Antiigi ajastut peetakse valgustuse ajastuks. Looduslikkust peeti inimeste maailmataju peamiseks asjaks ja inimkeha oli kunstimaailmas etalon. Inimkeha proportsioonide ehituse põhjal püstitasid inimesed hooneid. Jumal oli inimene ja inimene oli jumal. Jumalad olid varustatud inimlike kirgedega ning inimestele püstitati pahesid ja kujusid nagu jumalaid. Inimkeha oli tempel. Skulptor lõi marmorist uuesti iga liigutuse ja rõivavoldi. Iga lihas oli omal kohal, luues mulje kivisse tardunud hetkest, nagu oleks jäädvustatud gorgon Medusa pilguga.

Mitte ainult skulptuur ei reprodutseerinud inimkeha. Seina freskod tõid tuppa selle, mida inimesed näha tahtsid – maastikke, stseene pidudest, tantse, mütoloogilisi motiive, erootilise iseloomuga stseene. Ja kõike oli kujutatud samamoodi – suure täpsusega.

1.-3. sajandil pKr, pärast Egiptuse vallutamist Aleksander Suure poolt, tehti Egiptuse linnas Fayumis matuseportreesid, mida eristasid silmatorkav sarnasus elava inimesega ja renessansimaale meenutav hukkamistehnika. Inimesed õpivad niimoodi uuesti kirjutama alles tuhande aasta pärast.

Keskaeg.
Keskaeg kestis erinevatel hinnangutel Euroopa erinevates piirkondades kaheksasajast kuni tuhande kahesaja aastani. See oli segaste aegade periood, mis sisaldas palju verstaposte nii ajaloos kui ka kunstis. Jumal sai eurooplaste jaoks peamiseks asjaks. Keha muutus rudimendiks, surematu inimhinge köidriks. Hing on ju surematu, aga mis on keha? Keha muidugi tahab pidevalt midagi: ta vajab süüa, magada, ta vajab soojust, ta vajab kiindumust. Jeesus kannatas meie eest ristil ja meie peame kannatama oma keha taltsutamise läbi, et oma hinge puhastada. Inimene eostatakse patus, sünnib patus ja elu lõpuni püüab ta seda pattu lunastada, et pääseda Taevariiki.



Nagu Egiptuses ikka, valitseb elu kultus elu järel, kuid erinevalt Egiptusest oleks keskaegse inimese jaoks pidanud elu algama alles pärast surma. Ja kuna keha on nii habras ja tegelikult mittevajalik, siis pole mõtet püüda seda kaunilt kujutada. Algul õppisid kunstnikud, kuidas inimesi joonistada, kuid sajandeid hiljem proovisid nad uuesti õppida.

Mees oli väike ja tähtsusetu, kuid arenes templikunst ja arhitektuur. Rahulik sõjaaeg andis teed rahule – romaani stiil arhitektuuris oma paksude kindlustatud müüride ja väikeste lünkakendega asendus gootikaga ning sellest sai esimene stiil, mis ühendas kogu Euroopa. Gooti ajastul ei olnud kirik enam kaitseehitis, kus paljusid inimesi kaitses jumal (ja paksud seinad), üha rohkem inimesi hakkas templeid külastama ja arhitektidelt nõuti rohkem siseruumi, et kõik koguduseliikmed ära mahutada. See otsustati jaotades hoone raskuse siseruumides kaarekujulisele konstruktsioonile ning väljas lendavatele tugipostidele ja tugipostidele. Nimetus “gooti” ise tulenes pilkasest, et katedraalide kaarekujuline kujundus meenutas välimuselt gooti hõimude ehitatud maju, ühendades puude latvad kuplikujuliseks eluruumiks. Hoone raskuse jaotamine lahendas paksude seinte probleemi ja võimaldas arhitektidel kujundada tohutuid aknaavasid, mis täideti samal ajal ilmunud vitraažidega. Dekoorirohkus täiendas pilti - kõik, mis maailmas on, on Looja tehtud -, mis tähendab, et selle kõikjal kasutamisel pole midagi halba. Kujutage vaid ette: lihtne külainimene tuleb linna kirikusse ja tema ees seisab ilus hiiglaslik ažuurne ehitis. Ta läheb sisse ja näeb sädelevatest aknaavadest sillerdavaid valgusvihku, mis kujutavad pühakuid ja stseene Piiblist. Ja ta mõistab, et Jumal on tõesti olemas.

Renessanss.


Keskajale järgneb renessanss, mil inimesed hakkasid iidseid linnu üles kaevama, leidma iidseid kunstiobjekte ja mõistma, et kunagi oli kõik teisiti. Kiriku võimu nõrgenemine viib selleni, et ühiskond muutub ilmalikumaks. Kunstnikud õpivad inimest uuesti maalima, kuid selleks peavad nad teda avama, et teada saada, kus asuvad lihased ja luud ning kuidas sellest õigesti siluetti joonistada. Nad jätkavad kirjutamist religioossetel teemadel, kuid samal ajal tellivad inimesed neilt pühakute portreed maalida, mis näitab, kui palju on kirik oma väge kaotanud. Kunstnikud katsetavad tehnikaid, leiutavad uusi värve, uusi stiile. On teada, et Leonardo da Vinci oli üks esimesi, kes maalis õlidega. Tema panus Verrocchio maalile "Kristuse ristimine", põlvitav ingel, osutus nii säravaks ja elavaks, et Verrocchio jättis legendi järgi maalimise skulptuuri jaoks, öeldes, et õpilane ületas oma esimest korda õpetajat, ja tal polnud talle midagi õpetada.

Baroki ajastu.
Renessansile järgnev, kuid iseloomult erinev, on barokiajastu. Baroki ajastu inimesed eemalduvad oma iluidees iidsest loomulikkusest ja püüavad oma keha deformeeruda, moderniseerida ja anda neile uus, ideaalne vorm. Moodi tulid korsetid, pleegitatud näod maalitud “täppidega” ja puuderdatud parukad, milles kubisesid täid ja hiired. Muide, lokkis meeste parukad tõi moodi kuningas Louis XIV. Elades põhimõttel "hoia sõbrad lähedal ja vaenlased veelgi lähemal", ümbritses ta end ministrite ja väejuhtidega, kes aja jooksul muutusid söafantideks, püüdes valitsejale silma jääda ja korrata tema riietumismuudatusi. Kui Louis hakkas kiilaks jääma, pani ta selga paruka. Kõik tema ümber tegid sama.


Barokiajastul armastati üleliigseid detaile, nikerdatud kaunistusi, kuldamist ja suure hulga küünalde lampe. Ja optilised illusioonid. Itaalia barokk eristus kõige enam illusioonide poolest. Ja Firenze maalikunstnikku ja arhitekti Andrea Pozzot peetakse ületamatuks meistriks. Pozzo meistriteoseks peetakse Rooma jesuiitide San Ignazio kiriku apsiidi, lae ja kuplialuse ruumi freskosid. Kiriku ehitamisel rahapuudusel kuppel püstitamata jäi. Mungad otsustasid kupli asendada värvimisega ning selleks, et eelarve piires püsiks ja kõik toimuks jesuiitide kaanonite järgi, kutsusid nad seda tööd tegema ühe oma munkadest Andrea Pozzo. Pozzo alustas väikese kupli maalimisega hoone apsiidis. See töö meeldis munkadele nii väga, et nad käskisid tal altari kohal oleva kupli all oleva ruumi maalida.
Kõrgeimas punktis on Püha Ignazio ise, jesuiitide kiriku asutaja ja teda ootav Taevariik.




Inimesed hakkasid sagedamini esitama küsimust "Mis me oleme?" Prantsuse filosoof Rene Descartes, vaadeldes tol ajal moekaid purskkaevukujusid, mis seisid liikumatult ja kui inimene neile lähenedes ärkas ellu ja kastas ta veega üle, mõtles – mis siis, kui elusorganismide liikumine sõltub ka hoobadest, hammasratastest. ja kolvid? Ta hakkas otsima vastust, allutades iga oma otsuse ümberlükkamisele ja jõudis järeldusele, et ainult mõte jäi ümberlükkamatuks. Nii jõudis ta oma hilisema kuulsa lauseni – “Cogito ergo summa”. "Ma mõtlen, järelikult olen olemas."

Klassitsismi ajastu.
Klassitsismi ajastul pöörduvad kunstnikud taas iidsete traditsioonide poole, võttes neid standardiks. Arhitektuuris esinevad iidsete ehitiste elemendid - portikused, sambad - maalikunstis - antiiksed kujud, tegelased on sageli antiikselt riietatud. Sellest tekib hiljem akadeemilisus – kunstistiil, mille vastu hakkavad võitlema impressionistid ja teised kunstimässulised.

Kaks erinevat osa maailmast.
Ja lõpetuseks tahaksin rääkida kahest maailma osast, mille vaated ilule on kardinaalselt erinevad. Need on Ida-Aasia riigid – Jaapan ja Hiina – ning Ameerika Ühendriigid.
Ma räägin Hiinast ja Jaapanist koos, sest nende kultuuril on palju ühist, kuigi tugevalt mõjutatud nende riikide mentaliteedist. Hiina kultuuris ei ole inimelul väärtust kui sellist – neid on alati olnud palju – üks lahkub, teine ​​tuleb asemele. Nagu hiinlased ise ütlevad: "Inimesel pole väärtust - seal on keisri dekreet" - kui peate surema, siis surete. Kuid teisest küljest on iga üksiku inimese eesmärk elus saavutada isiklik õnn ja kellelgi pole õigust teid sellest ilma jätta. Samuti on Hiina kultuuris igal sümbolil peidetud jõud. Nad ehitavad arhitektuuri isegi mingi hieroglüüfi või märgi sarnaseks, nii et hoone ise töötab eesmärgi saavutamiseks. Jaapani jaoks on see liiga raske. Yin ja Yang on vastandite ühtsus, valges on tükk musta, maas on tükk taevast - nende jaoks on see liiga raske. Nad võtsid Hiina kultuurist selle, mida pidasid piisavaks – harmoonia ja loomulikkuse.
Jaapani kultuuri kolm peamist ilumõistet on "yu-gen" - vihje - "wabi" - tühjus - ja "sabi" - patina, lõplikkuse tõend. Vihjeks on poolläbipaistev shoji, valgus läbib paberlaterna. See, mis on avatud, pole huvitav. Huvitav on see, mis peitub häguse vormi taga. Jaapanis pole alastust sellist suhtumist nagu Euroopas – see on loomulik. Ja kuna see on loomulik, tähendab see, et häbi pole. Alastus ei eruta, kui see just nii pole ette nähtud. Palju huvitavam on, kui keha on nagu pärl riidekihtides peidus ja sa võid aimata, mis seal sees on. Sama võib öelda Jaapani kondiitritoodete kohta, millel on väga õrn kerge maitse. Kaunistuseks lisatud oapasta, agar-agari ja marjade loomulik magusus. Nad ei lisa sellele suhkrut, sest liialdamine pole lõbus.
Euroopas on tühjus midagi kohutavat, arusaamatut, tühjus pole midagi. Jaapanis on tühjus see, millest kõik tuleb. Nad ei maali pojengi peale robini – nad maalivad tühimiku, et ise figuure maha teha. Basho, tähistades vaikust, ei kirjutanud "nii vaikselt", ta kirjutas, et "on kuulda kella tiksumist". Nii nagu vaikust rõhutatakse vaikse heli kaudu, nii ka siin - kunstnik laseb lõuendile tühjuse, asetades sinna tegelasi.
Ilma surmata ei saa elu mõista. Surm on osa elust, nii et selle kaudu õpid tundma elu ilu. Jaapanlased nimetavad eurooplasi ühekülgseteks, sest nad eitavad surma ning elavad selleks, et elada ja rõõmustada. Kuid unustades, et elu on piiratud, on võimatu selle täiust täielikult nautida. Ilma heata pole kurja, ilma puuduseta ei mõista te kogu omandamise ilu. Sama on asjaga. Kui sellel on olnud oma aeg, kui see on kaetud pragudega, kulunud - selle haprus on näha - see muudab selle veelgi ilusamaks - sellel on hing. Isegi uutel tihenditel on spetsiaalselt ära lõigatud tükk, mis näitab nende lõplikkust, loomulikkust – ja seega ka ilu. Iidsetel aegadel ei olnud laastud ega praod lubatud – objekt oli piiratud ja seetõttu mitte ideaalne. Jaapanis vastupidi – kuna igal asjal on surm – hinnatakse seda veelgi rohkem. Kirsiõied on selle kehastus. Sest kroonlehed langevad puudelt väga lühikese ajaga ja sa pead nautima iga hetke, mil seda näed.


USA sisendab oma kultuuri maailma filmide kaudu. Kättesaamatu ideaali kultuur – muutumise, unistustes elamise kultuur. Isegi George Bush seenior ütles oma kõnes, et "Ameerikale usaldatud püha missioon on panna kõik teised mõtlema samamoodi nagu meie." Just Ameerikast tuli ilukirurgia mood – oma olematu ideaali saavutamine. Ideaalses maailmas ei sure peategelane kunagi. Ideaalses maailmas on alati õnnelik lõpp. Puuduvad ranged reeglid, mida järgida, nii et te ei leia usaldusväärseid "ajaloolisi" mittedokumentaalfilme. See pole nende lugu – nemad pole need, kes Parthenoni kaudu iga päev tööle lähevad – nad riietasid inimesi toogadesse, püstitasid sambaid – see on Kreeka. Ja pole vahet, kuidas inimesed suhtlevad. Seetõttu näitab iga selline film meile kaasaegseid ameeriklasi erinevates seadetes. Peaasi, et see on tähelepanuväärne. Sama kehtib ka stiilide kohta. Ameerika on oma stiilide ja vormidega riik. Pole olemas meile mõistetavaid kunstistiile - barokk, klassitsism, art novo - on palee stiil, mis sisaldab kõike, mida inimene peab luksuseks: sambad, kuldne tualettruum, baldahhiinvoodi. Merestiil, troopiline, tööstuslik – ja palju-palju muud.
Samuti tuleb märkida, et ameeriklased on inimesed, kellele ei meeldi, kui neid rumalaks peetakse, mistõttu neile ei meeldi keerulised vormid ja metafoorid, millest nad aru ei saa. See hõlmab ka liiga lihtsaid võrdlusi – samal põhjusel. Suurem osa inimesi saabub nende pooluste vahele “kuldsel keskteel” – kaunilt esitletud ruumi, mis on looritatud täpselt nii palju, et inimene näib kõike ise arvavat. Ja on inimesi, kes selle kesktee tavakodanikele välja mõtlevad ja loovad.
Ameerika kultuuri iseloomustab folkloori puudumine. Asunikel polnud oma müüte, uusi jumalaid ei sündinud - nad olid selleks liiga “täiskasvanud”. Sellepärast lõid ameeriklased oma džinnid ja leprechaunid. Nad said superkangelased. Ameerika on ainuke riik, kus on superkangelased. Lõppude lõpuks, mis on superkangelane? Ideaalne inimene, kes loob ideaalse maailma.

*erinevatest allikatest kogutud materjal

Ugly on pehmelt öeldes. Keskaegsetel piltidel näevad lapsed välja nagu jubedad kõrge kolesteroolitasemega kääbused, kes on tõsiselt mures eluasemeprobleemide pärast. Võszebrodi altari meistri maalil “Veveří Madonna” näeb beebi välja nii, nagu teda ähvardaks seksuaalse ahistamise eest vallandamine.

Paolo Veneziano filmis "Madonna ja laps" aastast 1333 on laps isegi David Lynchi filmi jaoks liiga hirmutav.

Nende laste kujutised, mis meenutavad rohkem täiskasvanud mehi, panevad imestama, miks hakati alates renessansist nende asemel armsaid keerubeid joonistama. Kesk- ja renessansipiltide võrdlus näitab, kui palju on muutunud arusaam lapse näost. Et mõista, miks on keskaegsetel piltidel nii palju moondunud lapsi, on vaja vaadata kunstiajalugu, keskaegset kultuuri ja kaasaegseid ettekujutusi lastest.

Kas keskaegsed kunstnikud olid joonistamises lihtsalt halvad?

Beebi "inetus" võis olla tahtlik. Inetute ja ilusate laste maalide piir langeb kokku keskaja ja renessansi vahelise piiriga. Erinevatel aegadel pidasid inimesed peamisteks väärtusteks erinevaid asju: kui renessansikunstnik mõtles lastest teisiti kui keskaegne kunstnik, siis pilt peegeldab seda muutust. "Kui meil on lastest põhimõtteliselt erinevad arusaamad, näitavad maalid meie suhtumist neisse," ütleb Averett. - Keskajal on teatud joonistusstiil. Muidugi võib öelda, et toonased maalikunsti kangelased on kujutatud ebarealistlikult, kuid sama märkus kehtib ka Picasso tegelaste kohta. Renessanss tõi kaasa kunstilised uuendused, kuid need ei olnud põhjuseks, miks lapsed hakkasid “paremini” joonistama.

On kaks põhjust, miks lapsed keskaegses kunstis "mehelikud" välja näevad:

1) Enamasti on keskajal lastepildid Jeesuse kujutised. Homunkulaarse Kristuse kontseptsioon mõjutas üldist laste kujutamise traditsiooni.

Keskaegne lapse portree tehti tavaliselt kiriku tellimusel. See piiras kujutatud tegelaste valikut Jeesus-lapse ja mõne muu piiblilugude lapsega. Keskaegset arusaama Kristusest mõjutas homunculuse kujutis, mis tähendab sõna-sõnalt "väike mees". Homunkulaarse Jeesuse idee oli, et Jumala pojal on juba sündides ideaalne keha ja tema näojooned ei muutu aja möödudes. Averett väidab, et kui seda kontseptsiooni võrrelda Bütsantsi maalikunsti traditsiooniga, võib see seletada, miks paljudel piltidel on Kristuse laps kiilanemas. Hiljem muutus täiskasvanuliku välimusega Jeesuse kujutamise traditsioon ikonograafias tavapäraseks. Mõne aja pärast hakkasid inimesed uskuma, et see on ainus viis lapse joonistamiseks.

Barnaba da Modena (aktiivne 1361–1383) laps on keskeakriisi äärel.

2) Keskaegseid kunstnikke ei huvitanud realistlik maal

Jeesuse ebarealistlik kujutamine viitab sellele, et keskaegne kunst nõuab laiemat lähenemist. On ilmne, et tolleaegsed kunstnikud ei maalinud realismi stiilis ega idealiseerinud samal ajal kehavorme, nagu renessansikunstnikud. Kummalused, mida keskaja kunstis näeme, tekkisid sellest, et kunstnikud ei lähenenud kujutatavale objektile naturalismi positsioonilt, vaid kaldusid rohkem ekspressionistlikele objekti edasiandmismeetoditele. See keskaegse mõtlemise tunnusjoon muutis aga enamiku kujutatud inimestest väga sarnaseks. Loomingulise vabaduse idee (kunstnik võib joonistada inimesi nii, nagu ta tahab) on suhteliselt uus. Kunstilised kokkulepped olid tugevad ka keskajal. See joonistusstiil säilitas traditsioonilise beebipildi, mis sarnanes lõtv, tahtejõuetu isaga – vähemalt kuni renessansiajastuni.

Kuidas renessanss lapsed ilusaks tegi

Ilus ja armas laps, maalis Raphael 1506. aastal

Miks siis lapsi kaunitena kujutatakse?

1) Uuel ajastul õitses ilmalik kunst: inimesed tahtsid vaadata armsaid lapsi, mitte väikseid ja koledaid vanu inimesi

Keskajal ei olnud praktiliselt mingit "keskklassi" kunsti ega populaarset maalikunsti. Pärast Firenze kodanike sissetulekute kasvamist hakkas renessansiajastu kultuuris kujunema nõudlus lasteportreede järele. Tavainimesed oma sooviga oma järeltulijaid maalidele jäädvustada avardasid portreepildi piire. Klient ei soovinud oma järglasi jubeda homunkuluse kujul näha. See nihutas laste kujutamisel vastuvõetava piire ja lõpuks laienes traditsioon ka Jeesuslapsele endale.

2) Renessansi idealism muutis kunsti

Renessansiajal tekkis kunstnikul uus huvi looduse vaatlemise ja asjade kujutamise vastu nii, nagu ta neid näeb. Keskajale kunstile omane ekspressionistlik stiil on hääbumas. See toob muuhulgas kaasa realistlike imikute kujutiste ilmumise - kaunid keerubid, mis laenavad tõeliste inimeste parimaid jooni.

3) Lastest on saanud süütud olendid

Averett soovitab, et me ei peaks tegema jämedat vahet nende ajastute vanematele omase keskaegse ja renessansi mentaliteedi vahel. Levinud on arvamus, et renessansiaegne mõtlemise muutus mõjutas laste kujutamise traditsiooni, kuid keskajal armastasid vanemad oma lapsi samamoodi nagu vanemad renessansiajal. Kuid juba renessansiajal muutus lapse mõiste: väikestest täiskasvanutest muutusid lapsed eranditult süütuteks olenditeks. See juhtus siis, kui ühiskonnas levis idee, et iga laps sünnib patuta ega tea maailmast veel midagi. Kohe, kui muutus täiskasvanute suhtumine lastesse, muutusid ka täiskasvanute loodud ja täiskasvanutele mõeldud lasteportreed. Koledad beebid keskaja maalidel või kaunid renessansiajastu maalidel on vaid sotsiaalsete ideede peegeldus sellest, kuidas inimesed mõtlesid lastest, nende kasvatusülesannetest ja kunstist.

Miks me ikkagi tahame, et meie lapsed näeksid ilusad välja?

Kõikide nende tegurite mõjul on lapsed tänapäeval eranditult beebinukud, keda tahaks põske näpistada. On selge, et tänapäeva ühiskonnas on mõned laste idealiseerimisega seotud renessansijärgsed ideed endiselt elus. Muidugi on tänapäeva inimese jaoks laste kujutamise traditsiooni muutus plussiks, sest näete, et selline nägu võib meeldida ainult emale:

Laps Bitonto ikoonil (1304) näeb välja, nagu ei tahaks ta peitust mängida.